음악의 역사(2)

 

고전주의

클래식 시대의 음악(1730년부터 1820년까지)은, 고대 그리스와 로마의 예술과 철학의

중요한 요소인 밸런스, 비례, 규율 있는 표현의 이상을 모방하는 것을 목적으로 하고

있었습니다. (주의: 클래식 시대의 음악은 일반적인 고전 음악(5세기부터 2000년대에 걸친

서양 예술음악을 가리키는 용어)과 혼동해서는 안됩니다. 고전 음악은 여러 시대 중의

하나로서 클래식 시대를 포함합니다). 클래식 시대의 음악은 그 이전의 바로크 음악보다

가볍고 명료하며, 꽤 심플한 질감을 가지고 있습니다. 주된 스타일은 동음이의이며,

거기에서는 눈에 띄는 멜로디와 하위의 화음 반주 부분이 명확하게 구별되어 있습니다.

고전적인 기악 멜로디는 거의 목소리 같아서 부를 수 있는 경향이 있었습니다. 새로운

장르가 개발되면서 근대 피아노의 선구자인 포르테피아노가 바로크 시대의 하프시코드와

파이프 오르간을 대체했습니다(다만 파이프 오르간은 미사 등 신성한 음악에서 계속

사용되었습니다).

 

기악을 중시했습니다. 그것은 최초로 바로크 시대에 정의된 음악 형식의 추가 발전에

의해 지배되었습니다: 소나타, 협주곡, 교향곡. 그 외의 주요 종류는 트리오, 현악

4 중주곡, 세레나데, 가장 중요하고 발달된 형식이었습니다.

바로크의 작곡가도 소나타를 작곡했지만 소나타의 고전적인 스타일은 전혀 다릅니다.

현악 4중주부터 교향곡과 협주곡까지 클래식 시대의 주요 기악 형식은 모두 소나타의

구조를 바탕으로 했습니다. 실내악과 오케스트라를 사용한 악기는 보다 표준화되었습니다.

바로크 시대의 바소콘티뉴 그룹 대신 하프시코드, 오르간 또는 류트와 그룹 리더의

재량으로 선택된 다수의 베이스 악기(예를 들면 비올, 첼로, 테오르보, 뱀)로 구성되어

있던 고전적인 실내악 그룹이 지정된 표준화된 악기를 사용했습니다. 현악 4중주는

2명의 바이올린, 비올라와 첼로에 의해 연주됩니다. 바로크 음악의 특징인 연속 건반

연주자 또는 류트 연주자에 의한 즉흥 코드 연주의 실행은 1750년에서 1800년 사이에

서서히 쇠퇴했습니다.

 

클래식 시대에 이루어진 가장 중요한 변화 중 하나는 공중 콘서트의 발전이었습니다.

귀족계급은 콘서트나 작곡 후원자로서 여전히 중요한 역할을 했지만, 이제는 작곡가가

여왕이나 왕자의 정직원이 아니어도 살아남을 수 있게 되었습니다. 클래식 음악의 인기가

높아지면서 오케스트라의 수와 종류가 증가했습니다. 오케스트라 콘서트의 확대는 대규모

공연 공간의 건설을 필요로 했습니다.

 

낭만주의

 

19세기 낭만주의 음악(1820년경~1900년경)은 그 시대의 문학이나 회화에서 낭만주의 양식과

공통되는 요소가 많았습니다. 낭만주의는 예술적, 문학적, 지적인 운동이며 감정과 개인주의를

강조할 뿐만 아니라 모든 과거와 자연을 미화하는 것이 특징이었습니다. 낭만주의 음악은

고전주의 시대의 경직된 스타일과 형식을 넘어 보다 열정적이고 극적인 표현력이 있는 곡과

노래로 확대되었습니다. 바그너 또는 브람스 같은 낭만주의 작곡가들은 더 깊은 진실과 인간의

감정을 표현하기 위해 그들의 음악에서 감정 표현과 힘을 증가시키고자 했습니다. 심포닉 톤의

시에서 작곡가는 기악을 사용하여 스토리를 말하고 이미지와 풍경을 불러일으키려고 했습니다.

일부 작곡가는 포크 음악(folk music)에서 영감을 받은 애국적인 관현악으로 민족주의적인 긍지를

촉진했습니다. 음악의 감정적이고 표현적인 특성이 전통보다 우선시 되게 되었습니다.

 

낭만주의 작곡가들은 독자성 속에서 성장해 음악적 맥락(문학 등), 역사(역사적 인물이나 전설),

자연 자체에서 다른 예술 형식을 탐구하는 싱크리티즘(syncretism)을 더욱 심화시켰습니다. 이

시기에 작곡된 많은 작품에서 낭만적인 사랑과 동경이 일반적인 주제였습니다. 몇몇의 경우에는

고전주의 시대의 형식적인 구조(예를 들면 현악 4중주 또는 교향곡에서 사용되는 소나타 형식)가

계속 사용되었지만, 이러한 형식은 확장되고 변경되었습니다. 많은 경우에, 기존의 장르, 형태 및

기능에 대한 새로운 접근 방식이 탐구되었습니다. 또한 새로운 주제에 더 적합하다고 생각되는

새로운 형식이 창작되었습니다. 작곡가들은 오페라와 발레 음악을 계속 개발하며 새로운 스타일과

주제를 탐구했습니다.

 

1,800년 이후 루트비히 판 베토벤과 프란츠 슈베르트가 개발한 음악은 보다 극적이고 표현력 있는

스타일을 도입했습니다. 베토벤의 경우, 유기적으로 발달한 짧은 모티브가 가장 중요한 작곡 단위로

멜로디를 대체하게 되었습니다(예를 들면 교향곡 5번에서 사용된 독특한 4 음표 도형). 그 후 표트르

일리치 차이콥스키, 안토닌 드보르자크, 구스타프 말러 같은 낭만주의 작곡가들은 극적 긴장감을

조성하기 위해 더 희귀한 코드와 불협 화음을 사용했습니다. 그들은 복잡하고 종종 훨씬 긴 음악

작품을 만들어 냈습니다. 낭만주의 시대 후기에 작곡가들은 확장 화음이나 변화된 화음과 같은 톤의

극적인 색조 변화를 탐구했고, 그것이 새로운 음 '색'을 만들어 냈습니다 19세기 후반에는

오케스트라의 규모가 극적으로 확대되었고, 산업 혁명은 더 좋은 악기를 만들고 더 강력한 사운드를

만들어 냈습니다. 공공 콘서트는 부유한 도시 사회의 중요한 일부가 되었습니다. 또한, 오페레타

또는 뮤지컬 코미디, 기타  형식의 뮤지컬 극장을 포함한 연극 음악에 있어서도 새로운 다양성을

볼 수 있었습니다.

 

 

 

 

 

20세기 및 21세기 음악

19세기 새로운 작곡이 일반에 알려지게 된 주요한 방식은 중산층 아마추어 음악 애호가들이 집에서

피아노 또는 바이올린 등 일반적인 악기로 연주할 수 있는 악보를 판매하는 것이었습니다. 20세기의

음악과 함께 라디오 방송이나 그라모폰 레코드의 대량 판매 등 새로운 전기 기술의 발명은 청취자가

(라디오나 레코드 플레이어로) 들을 수 있는 소리를 기록하는 것을 의미하며, 새로운 노래나 곡을

배우는 주요한 방법이 되었습니다. 라디오가 인기를 끌면서 축음기가 음악 재생과 전달에 사용되고

라디오 또는 레코드 플레이어를 가진 사람이라면 누구나 자신의 거실에서 오페라, 교향곡 또는 빅

밴드를 들을 수 있게 되면서 음악 감상은 크게 증가했습니다. 19세기 동안에는, 악보에 초점이

맞춰져 있었기 때문에, 악보를 읽을 수 있고, 피아노 또는 다른 악기를 소유한 중산층이나 상류층

사람들이 새로운 음악에 접근하는 것이 제한되어 있었습니다. 라디오 또는 레코드 플레이어는

오페라 또는 교향곡 콘서트 티켓을 살 여유가 없는 저소득자가 이러한 음악을 들을 수 있도록

허용했습니다. 그것은 사람들이  이 장소들을 여행할 여유가 없어도 국가의 다양한 지역, 심지어

세계의 다양한 지역에서 음악을 들을 수 있다는 것을 의미했습니다. 이것은 음악 스타일을 넓히는

데 도움이 되었습니다.

 

20세기 예술 음악의 초점은 새로운 리듬과 스타일, 소리를 탐구하는 것으로 특징지어졌습니다.

제1차 세계 대전의 공포는 음악을 포함한 많은 예술에 영향을 주었고 작곡가는 더 어둡고 더

엄격한 소리를 탐구하기 시작했습니다. 재즈나 포크 음악 등의 전통적인 음악 스타일은 클래식

음악 아이디어의 원천으로 작곡가에 의해 사용되었습니다. 이고르 스트라빈스키, 아르놀트

쇤베르크, 존 케이지는 20세기 미술 음악에 영향력이 있는 작곡가였습니다. 녹음의 발명과 음악

편집 능력은 클래식 음악의 새로운 하위 장르를 만들어냈고, 그중에는 전자 작곡 학교도

있었습니다. 사운드 리코딩은 노래와 밴드의 리코딩을 널리 보급할 수 있었기 때문에 대중음악

장르의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 멀티트랙 녹음 시스템의 도입은 밴드의 연주를 녹음하는

것 이상의 일을 할 수 있기 때문에 록 음악에 큰 영향을 미쳤습니다. 멀티트랙 시스템을

사용함으로써 밴드와 그 음악 프로듀서는 많은 레이어의 악기 트랙과 보컬을 오버 더빙하고

라이브로는 불가능한 새로운 사운드를 만들어 낼 수 있었습니다.

 

재즈는 20세기 동안 진화하여 중요한 음악 장르가 되었고, 후반에는 록 음악도 마찬가지로 중요한

장르가 되었습니다. 재즈(Jazz)는 20세기 초 미국 남부의 아프리카계 미국인 커뮤니티에서 기원한

미국 음악 예술로, 아프리카와 유럽의 음악 전통이 융합된 음악 예술입니다. 이 스타일의

서아프리카 혈통으로는 블루 노트, 즉흥 연주, 폴리 리듬, 싱코페이션, 스윙 노트의 사용에서

찾을 수 있습니다.

 

록 음악은 1950년대에 로큰롤, 로커빌리, 블루스, 컨트리 음악에서 발전한 대중음악 장르입니다. 록

음악은 종종 일렉트릭 기타나 어쿠스틱 기타를 중심으로 돌고 리듬 섹션에 의해 깔린 강한 백비트를

사용합니다. 기타나 키보드와 함께 색소폰이나 블루스 스타일의 하모니카가 독주 악기로 사용되고

있습니다. '가장 순수한 형태'에서는 '세 가지 코드, 강하고 끈질긴 백비트, 캐치한 멜로디를 가지고

있습니다. 대중음악의 전통적인 리듬 섹션은 리듬 기타, 일렉트릭 베이스 기타, 드럼입니다. 일부

밴드에는 오르간, 피아노 또는 1970년대 이후의 아날로그 신시사이저 등의 건반 악기가 있습니다.

1980년대 팝 뮤지션들은 DX-7 신시사이저, TR-808 등 전자 드럼 머신, 신스베이스 디바이스

(TB-303 등)와 신스베이스 키보드를 사용하기 시작했습니다. 1990년대에는 컴퓨터화된 하드웨어

음악 장치와 악기, 소프트웨어(디지털 오디오 워크스테이션 등)가 점점 더 많이 사용되었습니다.

2020년대에는 소프트 신스와 컴퓨터 음악 앱을 통해 침실 제작자가 집에서 전자 댄스 음악 등의

종류의 음악을 만들고 녹음하며 샘플링된 악기와 디지털 악기를 추가해 디지털로 편집하는 것이

가능해집니다. 1990년대부터 뉴 메탈 등의 장르의 밴드가 DJ를 밴드에 넣기 시작했습니다.

DJ는 DJ 믹서를 사용하여 녹음된 음악을 조작하여 음악을 만듭니다.

 

음악 기술의 혁신은 21세기까지 계속되었고, 동형 키보드와 다이내믹 토널리티의 개발도 있었습니다.

 

다음 포스팅에서는 "음악의 창작"에 대해서 소개해 드리겠습니다.